위 플래쉬 - 두 사람은 운명인가? 악연인가?

 

 

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데이미언 셔젤이 스물여덟의 나이에 내놓은 위플래쉬는, 음악 영화라는 장르에 대한 우리의 통념을 정면으로 배반한다. 흔히 음악 영화가 화음과 조화, 예술적 교감을 그린다면, 이 영화는 그 정반대 - 불협화음, 폭력, 그리고 광기에 가까운 집착 - 을 그린다. 명문 음악학교의 드러머 지망생과 그를 한계까지 몰아붙이는 폭군 같은 지휘자. 이 둘의 관계를 통해 셔젤은 묻는다. 위대함은 과연 어떤 대가를 치르고 얻어지는가, 그리고 그 대가는 치를 만한 것인가

23,000달러짜리 미끼 - 단편에서 시작된 영화

위플래쉬의 탄생 과정은 그 자체로 한 편의 드라마다. 데이미언 셔젤은 프린스턴 고교 시절 "지독하게 경쟁적인" 재즈 밴드에 몸담았고, 그때 자신을 짓눌렀던 공포를 자양분 삼아 시나리오를 썼다. 그는 지휘자 테렌스 플레처를 2003년 세상을 떠난 자신의 옛 밴드 지도교사에 바탕을 두되, 버디 리치 같은 가혹하기로 악명 높은 밴드 리더들의 면모를 더해 더 밀어붙였다.

문제는 아무도 이 시나리오를 영화로 만들려 하지 않았다는 데 있다. 제작자들이 본 문제는 단 하나, "재즈 드러머에 관한 영화"라는 점이었다. 그러자 제작진은 묘안을 냈다. 시나리오 중 15페이지 분량을 떼어내 약 2만 달러짜리 단편으로 먼저 만들어, 장편 투자를 끌어낼 미끼로 삼자는 것이었다. 셔젤은 처음엔 이 제안에 저항했다. 훗날 그는 당시 자신이 "거만했다"고 회고했다. 

결과적으로 이 단편이 모든 것을 바꿨다. 2013년 겨울, 스물여덟 생일을 며칠 넘긴 셔젤은 18분짜리 단편을 들고 처음으로 선댄스 영화제를 찾았고, 그 작품은 단편 부문 심사위원상을 거머쥐었다. 이 단편의 성공이 볼드 필름으로부터 330만 달러의 제작비를 끌어냈다. 흥미롭게도 단편에서 이미 J.K. 시먼스가 플레처를 연기했고, 셔젤은 장편에서 그 첫 합주 장면을 단편과 거의 숏 단위로 똑같이 재현했다. 드러머 역할만 조니 시먼스에서 마일스 텔러로 교체됐을 뿐이다. 정확히 1년 뒤, 스물아홉 생일 직후 셔젤은 같은 사제 이야기를 다룬 장편을 들고 다시 선댄스로 돌아와 2014년 영화제의 개막작으로 상영했다. 거절당한 시나리오가 미끼 하나로 영화제의 문을 다시 두드린 셈이다.

왜 하필 재즈인가

이 영화가 굳이 재즈를 무대로 삼은 것은 우연이 아니다. 재즈는 흔히 자유, 즉흥, 해방의 음악으로 여겨진다. 정해진 악보를 벗어나 연주자가 그 순간의 영감으로 선율을 빚어내는, 가장 자유로운 음악 형식이라는 통념이다. 셔젤은 바로 그 통념을 정면으로 뒤집는다. 그의 재즈는 자유가 아니라 규율의, 해방이 아니라 강박의 음악이다.

플레처의 연습실에서 재즈는 한 치의 오차도 허락하지 않는 군대식 훈련이 된다. 박자가 빠른지 느린지를 두고 학생을 몰아붙이고, 음정 하나가 틀렸다며 의자를 던진다. 즉흥의 예술이 가장 기계적인 정밀함의 감옥으로 뒤바뀌는 이 역설이야말로 영화의 핵심 아이러니다. 셔젤은 묻는다. 우리가 '자유로운 예술'이라 부르는 것의 뒤편에는, 사실 얼마나 비인간적인 반복과 고통이 쌓여 있는가.

또한 재즈사(史) 자체가 영화의 논리에 동원된다. 플레처가 자신의 학대를 정당화하며 끌어들이는 것은 다름 아닌 찰리 파커의 신화다. 어린 파커가 형편없는 연주를 하자 드러머 조 존스가 심벌즈를 집어던졌고, 그 굴욕이 파커를 위대한 '버드'로 단련시켰다는 일화. 실화 여부를 떠나 이 전설은, 천재란 가혹한 시련을 통해서만 빚어진다는 낭만적 믿음을 대표한다. 재즈라는 무대는 그 신화가 가장 그럴듯하게 작동하는 토양이기에, 셔젤의 질문은 더욱 날카로워진다.

J.K.시먼스 - 인생의 역할을 만난 조연

플레처라는 인물이 단순한 악역을 넘어 영화사에 각인된 캐릭터가 된 데에는 J.K. 시먼스의 연기가 결정적이었다. 흥미롭게도 셔젤이 처음 구상한 플레처는 시먼스와 거리가 멀었다. 그는 옛 스승을 모델로 삼아 "덩치 크고 얼굴이 붉으며 땀을 뻘뻘 흘리는 뉴저지 이탈리아계 미국인"을 떠올렸다고 한다. 시먼스를 캐스팅하자는 아이디어는 제작자 제이슨 라이트먼과 헬렌 에스터브룩에게서 나왔다. 

그 선택은 완벽했다. 시먼스는 군더더기 없이 깎아낸 몸과 면도한 머리, 그리고 한순간에 온화함에서 폭력으로 돌변하는 눈빛으로 플레처를 빚어냈다. 그의 연기가 무서운 것은 단지 고함을 질러서가 아니라, 침묵과 미소의 순간이 더 위협적이기 때문이다. 부드럽게 다가와 학생의 가정사를 묻다가, 다음 순간 그 정보를 무기 삼아 인격을 도려내는 그 전환의 정밀함이야말로 이 연기의 핵심이다.

평단의 반응은 압도적이었다. 롤링 스톤은 그를 "인생의 역할에서 가시 돋친, 눈부신 경이"라 평했다. 수상 행보 역시 기록적이었다. 예순의 시먼스는 골든 글로브, 미국배우조합상(SAG), 크리틱스 초이스, 영국 아카데미(BAFTA), 인디펜던트 스피릿상을 차례로 휩쓸었다. 그리고 2015년 2월 22일, 그는 생애 첫 아카데미 후보 지명에서 곧바로 남우조연상을 수상했다. 60세에 이르도록 단 한 번도 오스카 후보에 오른 적이 없던 베테랑 성격파 배우의 첫 트로피였다. 스파이더맨 3부작의 J. 조나 제임슨 편집장으로 더 알려져 있던 그가, 마침내 자신의 이름을 영화사에 새긴 순간이었다. 

스크린 속 냉혈한과 정반대로, 수상 소감에서 그는 부모님께 전화드리라는 따뜻한 당부를 남겼다. "부모님이 살아 계신 행운을 누리고 있다면, 전화하세요. 문자도 이메일도 말고, 전화로 사랑한다고, 고맙다고 말하세요." 가장 가혹한 인물을 연기한 배우가 남긴 가장 다정한 말이었다.

두 사람의 영화

위플래쉬는 본질적으로 단 두 인물의 영화다. 최고의 드러머가 되겠다는 야망에 사로잡힌 앤드류(마일스 텔러)와, 그를 가르치는 명교수 플레처(J.K. 시먼스). 플레처는 학생의 잠재력을 끌어내기 위해서라면 모욕, 폭언, 물리적 위협, 심리적 고문도 서슴지 않는다. 그의 교육 철학은 한 문장으로 압축된다. 영어에서 가장 해로운 두 단어는 "good job(잘했어)"이라는 것.

이 영화의 긴장은 두 사람이 가학과 피학의 관계로 얽혀 들어가는 데서 나온다. 앤드류는 플레처의 인정을 갈구하며 스스로를 파괴해 들어가고, 플레처는 그 갈망을 정확히 읽어내며 더 깊이 밀어붙인다. 셔젤은 이 관계를 단순한 선악 구도로 그리지 않는다. 우리는 플레처의 방식에 경악하면서도, 앤드류가 한계를 넘어설 때 묘한 전율을 느낀다. 바로 그 공모의 감각이 이 영화를 불편하고도 강력하게 만든다.

편집이라는 악기

위플래쉬의 연출에서 가장 빛나는 것은 편집과 사운드다. 톰 크로스가 맡은 편집은 아카데미 편집상을 받았는데, 드럼 연주 장면을 마치 전투나 추격전처럼 잘게 쪼개고 가속한다. 스틱을 쥔 손, 땀방울, 피가 밴 손가락, 발끝의 페달, 플레처의 차가운 눈빛 - 이 파편들이 빠른 리듬으로 충돌하며 음악 연주를 스릴러의 긴장으로 변환한다.

셔젤은 본래 재즈 드러머를 꿈꿨던 자신의 경험을 이 영화에 쏟아부었다. 그래서 연주 장면의 디테일이 사실적이다. 피로 미끄러지는 스틱, 얼음물에 손을 담그는 장면, 박자가 어긋나는 순간의 공포. 음악이 즐거움이 아니라 생존을 건 사투로 그려진다는 점에서, 이 영화는 음악 영화이면서 동시에 가장 육체적인 스포츠 영화처럼 작동한다.

위대함의 대가라는 질문

이 영화가 단순한 스승-제자 드라마를 넘어서는 지점은, 그것이 던지는 윤리적 질문에 있다. 플레처는 자신의 잔혹함을 정당화하며 찰리 파커의 일화를 든다. 어린 파커가 무대에서 형편없는 연주를 하자 누군가 심벌즈를 던졌고, 그 굴욕이 파커를 위대한 '버드'로 만들었다는 것이다. 학대가 천재를 빚는다는 이 신화는, 영화 내내 시험대에 오른다.

셔젤은 여기에 쉬운 답을 주지 않는다. 앤드류는 플레처의 학대 속에서 망가지지만, 동시에 그 누구도 도달하지 못한 경지로 나아간다. 영화는 학대를 옹호하는가, 아니면 고발하는가? 이 모호함이야말로 위플래쉬가 개봉 이후 끝없는 논쟁을 부른 이유다. 관객은 마지막 장면을 보고 나서도, 자신이 목격한 것이 한 예술가의 승리인지 한 인간의 파멸인지 쉽게 결론 내리지 못한다.

마지막 결투

영화의 마지막, 홀 무대에서 벌어지는 클라이맥스는 영화사에 남을 엔딩 중 하나다. 플레처는 앤드류를 무대 위에서 공개적으로 망신 주려 하지만, 앤류루는 무너지는 대신 드럼 앞으로 돌아와 'Caravan'을 폭발시킨다. 지휘자의 통제를 벗어나 스스로 연주를 장악하는 그 순간, 두 사람의 관계는 마침내 역전된다.

이 장면이 위대한 것은, 그것이 카타르시스인 동시에 공포이기 때문이다. 앤드류는 마침내 플레처가 원하던 바로 그 경지에 도달한다. 그러나 그가 보여주는 황홀경에 가까운 표정은, 한 인간이 음악을 위해 자신의 모든 것 - 인간관계, 정신적 안정, 그리고 영혼까지 - 을 갈아 넣은 결과다. 마지막 순간 플레처가 짓는 희미한 미소는 인정인지 만족인지 끝내 모호하게 남는다. 셔젤은 박수를 유도하다가, 바로 그 박수가 정당한 것인지를 관객 스스로에게 되묻게 만든다.

박자는 멈추지 않는다

위플래쉬는 90분 남짓한 러닝타임 동안 단 한순간도 박자를 늦추지 않는다. 그것은 형식이 곧 주제인 영화다. 쉴 틈 없이 몰아치는 편집과 사운드 자체가 한계를 향해 멈추지 않고 스스로를 채찍질하는(whiplash) 한 인간의 내면을 그대로 옮겨 놓은 것이기 때문이다.

이 영화는 위대함이라는 것의 매혹과 그 끔찍한 비용을 동시에 보여준다. 박수받는 천재의 뒤편에 무엇이 있는지를, 셔젤은 미화하지도 단죄하지도 않고 차갑게 드러낼 뿐이다. 그 정직한 모호함 때문에, 위플래쉬는 보고 나면 오래도록 마음을 불편하게 만든다. 그리고 위대한 영화란 종종 바로 그런, 쉽게 답해주지 않는 영화다.