위 플래쉬 영화 정보 위 플래쉬 나무위키 위 플래쉬 영화 OTT 정보 Netflix 데이미언 셔젤이 스물여덟의 나이에 내놓은 위플래쉬는, 음악 영화라는 장르에 대한 우리의 통념을 정면으로 배반한다. 흔히 음악 영화가 화음과 조화, 예술적 교감을 그린다면, 이 영화는 그 정반대 - 불협화음, 폭력, 그리고 광기에 가까운 집착 - 을 그린다. 명문 음악학교의 드러머 지망생과 그를 한계까지 몰아붙이는 폭군 같은 지휘자. 이 둘의 관계를 통해 셔젤은 묻는다. 위대함은 과연 어떤 대가를 치르고 얻어지는가, 그리고 그 대가는 치를 만한 것인가 23,000달러짜리 미끼 - 단편에서 시작된 영화 위플래쉬의 탄생 과정은 그 자체로 한 편의 드라마다. 데이미언 셔젤은 프린스턴 고교 시절 "지독하게 경쟁적인" 재즈 밴드에 몸담았고, 그때 자신을 짓눌렀던 공포를 자양분 삼아 시나리오를 썼다. 그는 지휘자 테렌스 플레처를 2003년 세상을 떠난 자신의 옛 밴드 지도교사에 바탕을 두되, 버디 리치 같은 가혹하기로 악명 높은 밴드 리더들의 면모를 더해 더 밀어붙였다. 문제는 아무도 이 시나리오를 영화로 만들려 하지 않았다는 데 있다. 제작자들이 본 문제는 단 하나, "재즈 드러머에 관한 영화"라는 점이었다. 그러자 제작진은 묘안을 냈다. 시나리오 중 15페이지 분량을 떼어내 약 2만 달러짜리 단편으로 먼저 만들어, 장편 투자를 끌어낼 미끼로 삼자는 것이었다. 셔젤은 처음엔 이 제안에 저항했다. 훗날 그는 당시 자신이 "거만했다"고 회고했다. 결과적으로 이 단편이 모든 것을 바꿨다. 2013년 겨울, 스물여덟 생일을 며칠 넘긴 셔젤은 18분짜리 단편을 들고 처음으로 선댄스 영화제를 찾았고, 그 작품은 단편 부문 심사위원상을 거머쥐었다. 이 단편의 성공이 볼드 필름으로부터 330만 달러의 제작비를 끌어냈다. 흥미롭게도 단편에서 이미 J.K. 시먼스가 플레처를 연기했고, 셔젤은 장편에서 그 첫 합주 장면을 단편과 거의 숏 단위로...
영화 정보
인정사정 볼 것 없다 OTT 정보
시대의 초상
1999년, 세기말의 공기가 서울 거리에 짙게 깔리던 시절. 한국 영화계가 헐리웃의 자본력과 기술력을 부러운 눈으로 바라보며 'WellMade' 라는 목표를 향해 허우적대던 그 시절, 이명세 감독은 유행을 쫓지 않았다. 그는 자신만의 언어로 시대를 포착했고, 그 결과물이 바로 "인정사정 볼 것 없다" 이다
영화의 제목 자체가 선언이다. 봐줄 것도, 봐줄 여지도 없다. 타협 없이 밀어붙이는 그 정신은 영화 전체에 흐르는 하나의 시대정신이기도 하다. '무대뽀'라는 단어로 대표되던 1990년대 한국의 거친 에너지, 법과 절차보다 몸과 의지가 먼저였던 그 시절의 냄새가 영화 곳곳에 베어 있다.
연출의 미학
이명세 감독의 스타일리시한 연출은 지금 봐도 놀랍도록 세련되어 있다. 한국 영화가 기술적으로 헐리웃과 현격한 격차를 보이던 시절임을 감안하면 더욱 그렇다. 그는 제한된 자본과 환경 속에서 오히려 카메라 앵글과 편집의 리듬, 음악의 배치로 영화적 밀도를 높였다.
가장 인상적인 것은 빌런과 주인공의 대비 방식이다. 박중훈이 연기한 형사는 껄렁껄렁하고 소란스럽다. 그의 대사와 몸짓은 코믹하기까지 하다. 반면 안성기가 연기한 범인은 과묵하다. 절제되어 있고, 그래서 더 무겁다. 이 두 에너지의 충돌이 영화 전체의 긴장을 만들어 낸다.
90년대를 기억하는 사람들이라면 반가워 할 만한 그 시절의 여러 배경들이 파노라마처럼 흘러가는 것도 참 낭만적이다.
비포장 도로를 전속력으로 질주하며 체리필터의 록 사운드가 폭발하는 장면은 미국 서부 사막의 로드무비 씬들과 어깨를 나란히 할 만큼 강렬하다. 한국이라는 협소한 공간, 제한된 예산 안에서 그 에너지를 끌어낸 것은 순전히 연출력의 승리다.
장르를 잇는 계보
이 영화를 얘기할 때 함께 다뤄야 할 주제라면 바로 훗날의 한국 영화 장르물을 잇는 계보라는 점이다. 한국 영화는 올드보이 이후로 매우 폭력적인 영화가 되었다. 근데 사실 이 영화도 그런 모습들이 내재되어 있다. 싸움, 폭력, 주먹질이 희화화 된다. 맞는 역할의 배우들은 보는 이들에게 실소를 짓게끔 연출되어 있다.
형사물의 모습도 보여준다. 우리나라는 그 유명한 봉준호 감독의 히트작 살인의 추억으로 형사물을 대표한다. 하지만 그 이전에 바로 이 "인정사정 볼 것 없다" 라는 작품이 있었다. 우리는 왜 형사물에 그렇게 열광했을까? 부조리하고 어쩔 수 없었던 시대를 아주 직접적으로 볼 수 있는 시선이 형사물이기에 그럴 수도 있지만 내 생각엔 영화라는 매체를 통해 우리가 풀고 싶은 그 카타르시스가 뿜어져 나오기에 그런건 아닐까? 낭만의 시절 맨몸, 맨주먹으로 부딪혀가며 살아가는게 정직하고 멋있고 정의로웠던 거였다. 두뇌 대신 주먹, 시스템 대신 의지, 이런 워초적인 서사가 관객에게 카타르시스를 선사하고 있다.
우리가 형사 장르에 열광하는 이유는 아마도, 부조리하고 억압적인 현실을 가장 직접적으로 응시하는 시선이 그 장르 안에 있기 때문일 것이다. 형사는 법의 이름으로 폭력을 행사할 수 있는 유일한 존재이고, 그 폭력이 '정의'라는 이름으로 포장될 때 관객은 대리 만족을 느낀다.
명장면
마지막 1:1 결투에선 얼마나 와일드한가. 비가 내리는 흑탕물에서 대체 누가 형사고 누가 범인인지도 모르게 서로가 까맣게 변해서 오로지 상대를 제압하기 위해 몸싸움을 벌인다. 게다가 그 씬의 마지막은 은 박중훈 역의 형사가 두 주먹을 불끈쥐고 이를 악물며 일어나는 컷으로 마무리된다. 지독하리 만치 낭만적이지 않은가? 요즘의 시대분위기 와는 사뭇 다른 강인함이 느껴지는 장면이다.
골목길 추격씬.
그 당시 달동네의 모습을 엿볼 수 있다. 그 좁은 골목길에서 달밤에 어디로 향하는 지도 모른채 형사와 범인은 쫓고 쫓기며 뛰어다닌다. 분주하게 담박질하는 모습이 어쩐지 애잔해 보이기도 한다. 긴장감있는 추격이라기 보단 마치 숨바꼭질 놀이를 하는 어린 아이들의 놀이를 구경하는 것 같다. 심지어 중간에 동네 할머니에게 혼나는 형사의 모습을 볼 수 있는데 90년대 밤늦게 놀다가 어른들에게 혼이 나던 어린 시절의 모습이 회자되는 사람들도 있을 거라고 본다.
이발소 총기 사건.
일상 공간 속 갑작스러운 폭력이 발생하는 씬이다. 이명세 감독의 연출력이 돋보이는데 장동건이 범인을 잡기 위해 실수로 총을 발사하게 되고 이후에 죄책감에 시달리게 된다. 이 씬 이후에 영화는 급격히 코믹한 상황이 배제된다. 액션은 슬로우 모션으로 강조되고 사실 별다른 몸싸움도 없다. 하지만 그 상황에서 실수로 형사의 총이 범인의 심장을 관통하여 사살하게 된다. 뜻하지 않은 사고로 인해 폭력의 잔인함을 드러내며 시스템의 한계를 표현해준다. 과연 이런 방식만으로 범인을 잡을 수 있는 거란 말인가? 그리고 해결은 할 수 있는 건가?
사실 추가적으로 언급하고 싶은 장면들이 참 많다. 근데 그렇게 되면 굳이 인상적인 장면을 선별하는 이유가 없다고 생각이 되어서 이렇게만 추려봤다. 이 글을 나중에 보면 고작 이렇게만 뽑은걸 후회 할 것 같다. (어쩌면 수정할지도?)
사실 추가적으로 언급하고 싶은 장면들이 참 많다. 근데 그렇게 되면 굳이 인상적인 장면을 선별하는 이유가 없다고 생각이 되어서 이렇게만 추려봤다. 이 글을 나중에 보면 고작 이렇게만 뽑은걸 후회 할 것 같다. (어쩌면 수정할지도?)
우리나라는 참 빨리도 발전하고 시대별로 변화가 컸다고들 말한다. 영화에서는 이런 시대의 모습들이 곳곳에 묻어있다. 이런 모습들을 보며 영화를 보는 것도 참 재밌는 일이다. 다른 나라 사람들은 이해할 수 없는 정말 우리들만 느낄 수 있는 그런 감성이 우리나라의 영화에 묻어 있다.